Moin!
Meine Jänner-Playlist - ich wollte das neue Jahr mit Neuer Musik beginnen. Das Ergebnis meines Durchhörens ist wie folgt - die Reihenfolge ist zufällig, wie sie auch beim Abspielen stets zufällig war.
~ ẞ ~
Luigi Nono : Prometheus Suite
Langsame Einzeltöne, die in den Raum
gesungen werden... Mit Nono hab ich mich auch, als ich ihm im Studium
einmal kurz begegnet bin, recht schwer getan. Wie ein Stück wirkt,
hängt jedoch stark vom Kontext ab – und in dieser Liste gibt es
viele hektische, prägnante Sachen, dadurch freue ich mich im Grunde,
wenn etwas ruhiges auftaucht. Dabei ist das Nono-Stück allerdings
von einer inneren Spannung erfüllt, somit ist diese Beschreibung
etwas zu kurz gegriffen. Durch das Tempo ist es möglich, den
Harmonien im Detail zu folgen – dementsprechend würde es
auffallen, wenn es hier eine Schwäche gäbe. Das spricht für Nono.
Hin und wieder knarzt etwas dazwischen
– Bassklarinette? Bin mir nicht sicher – das sorgt vermutlich für
manche Hörer*innen für eine Auflockerung des gleichmäßigen
Voranschreitens – ich empfinde das in den ruhigen Abschnitten eher
als störend, das Stück könnte auch konsequent ohne schnarrende
Klangfarben auskommen, bzw. diese nur zum Abschluss einer Phrase (was
auch passiert). Es gibt natürlich noch größere Bogen. Form
ist für mich selten ein Kriterium, ich höre ein Stück oft und es
hinterlässt dann einen Eindruck, der ohne ausgeprägte Zeitdimension
auskommt.
Nam Hoon Kim : Le temps
retrouvé
Ein Bläserquintett. Das Stück ist
einfacher gebaut, bedient sich einerseits harmonischen Feldern, in
denen ich verschiedene Skalen höre; mal angedeutet, mal konkreter
und grundtönig zentriert. Auch der Rhythmus wirkt eher scherzhaft
auf mich. Irgendwie schade? Die Instrumente Oboe und Fagott, die sind
ja bereits scherzhaft, einfach durch ihren Klang, da braucht es nicht
mehr viel. Freitonale Klänge, die im Kontext der anderen Stücke
irgendwie altmodisch wirken – in der Umgebung ist das eben auch
schwer, und die Besetzung macht es auch extra schwierig.
(Ich hab einige Zeit mit Nam Hoon
studiert, bis er irgendwann nach Boston verschwunden ist. Einige
seiner Stücke während unserer gemeinsamen Studienzeit fand ich
genial, insbesondere aus den ersten Jahren, da war viel Konzeptuelles
auch dabei; inzwischen hat er sich meinem Eindruck nach ein bisschen
zu sehr zähmen lassen von den Unis...)
Isabel Mundry : Sandschleifen
Auch hier gibt es Zentraltöne, und die
meiste Zeit meinem Eindruck nach eine recht statische Harmonik – es
moduliert aber sozusagen auch, aber wenn ich „moduliert“
schreibe, dann deshalb, weil es eben das Gefühl gibt, von etwas
Statischen wegzugehen, und auch ein Gefühl, später wieder dahin
zurückzukommen. Das passiert gleich zu Beginn auch einmal: Dieser
ist gleich sehr energiegeladen; zum Anfangsakkord wird nach etwa
dreißig Sekunden wieder zurückgekehrt und dieser dadurch als Anker
markiert.
Der Rhythmus erinnert mich an Boulez;
immer wieder Flächen, und schnelle Bewegungen von einer Fläche zur
nächsten. Das allerdings ist nur ein grobes Gerüst, es passiert
viel mehr und ist auch sehr abwechslungsreich. Aber eben in einer von
vielen anderen Werken vertrauten Weise...
Luciano Berio : Glosse
Ich hab mich immer gleich kurz gefreut,
wenn die Pizzicatoklänge dieses Stück ankündigten. Es ist ein
Streichquartett, das zwar harmonisch nicht überrascht, aber mit
einem gewissen Nachdruck kommt, Aggressivität, wie sie
Streichinstrumente manchmal in sich haben, und die genügt, um auch
mich nebenbei Hörende aufhorchen zu lassen.
Wolfgang Mitterer : Little Smile
Mitterers Stücke höre ich immer
wieder gerne, sie sind ein summendes, flirrendes, schillerndes Chaos.
Ich gebe aber auch zu, dass ich mehr als eines oder zwei solcher
Stücke hintereinander meist nicht hören kann; in einer über acht
Stunden langen Playlist ein
so ein Stück zu haben, ist aber wunderbar. Immer wieder tun sich
kleine Fenster auf in andere harmonische Welten, bleiben für zehn
Sekunden offen, und gehen wieder zu. Diese Fenster machen für mich
den Reiz des Stückes aus, sie sind der Grund, warum es trotz des
irgendwie „gleichförmigen“ Chaos nicht langweilig wird.
Isabel Mundry :
Mouhanad
Das Stück hat in
der Liste eine schwierige Position: Es hat klar verständlichen
deutschen Text, was heißt, dass ich es oft übersprungen habe, wenn
ich gerade etwas lesen wollte.
Einerseits finde
ich es gut, dass sich eine Komponistin der Flüchtlingskrise als
Thema annimmt, andererseits überzeugt mich das Ergebnis doch nicht
so ganz.
Der Text für sich
funktioniert wunderbar, insofern als dass es möglich ist, ihn zu
verstehen – was bei Vokalwerken zu selten der Fall ist – und auch
die Musik funktioniert, ich habe mir anfangs sogar einmal gedacht „So
muss für Chor geschrieben werden!“, und bei Vokalmusik bin ich
notorisch überheikel. Aber die Verbindung zwischen beiden? Für die
Chormusik ist der Text nicht notwendig, daher könnte ich das Stück
auch ohne Text hören, und würde es vielleicht so mögen. Der Text
wiederum könnte auch einfach gelesen werden, glaube ich. (Aber ich
gebe zu, dass ich ihn wohl nicht lesen würde, und daher erst in Form
dieses Stückes wirklich bewusst höre. Ein Punkt für Mundry, I
guess.)
Thomas
Meadowcraft : Cradles
Ein Stück mit zwei
Ebenen: Da sind die langsamen, gezupften Klänge, die wirklich sanft
in den Schlaf wiegen könnten. Darüber aber liegt ein zuweilen
plätscherndes, zuweilen aber auch aggressives, Mobile aus Sounds.
(Auch ein Mobile hängt über einer Wiege.) Während dem Hören
wechsle ich dazwischen, einmal lasse ich mich einlullen, dann werde
ich wieder von wildem Geblubber oder Schellenklimpern aus dem Schlaf
gerissen. Ich weiß nicht, was die Intention dieses Stücks ist, aber
es gefällt mir irgendwie. Ob es mich beruhigt, hängt von der
Tageszeit ab, was ich davor gehört habe, ob ich bequem liege, ob ich
müde bin... meist beruhigt es mich nicht. Der starke Kontrast
zwischen den beiden Ebenen bewirkt, dass ich in mir ein Bedürfnis
spüre, auch mal nur das Ruhige für sich zu hören. (Aber natürlich
wäre das auch recht langweilig, so allein.) Die Harmonien sind
minimalistisch, immer leicht veränderte Variationen von Akkorden,
die aus progressiver Popularmusik oder Jazz entsprungen sind.
Es ist definitiv
ein Stück, das mir in Erinnerung bleibt, weil es aus der Masse
heraussticht, es ist etwas komplett anderes als der Rest der Liste.
Isabel
Soveral : Keep Invention in a Noted Weed
Live
gespielte Musik und Elektroakust, so ineinander verzahnt, dass ich
nicht immer sagen kann, was ich gerade höre. Klavier, Violine,
Marimba. Hin und wieder drängt sich ein elektronischer Klang aber
ganz in den Vordergrund. Soveral hat einige ziemlich unangenehme
scharfe Dauertöne gewählt, im Vergleich dazu wirken Klavier und
Geige sanft, auch wenn sie durchwegs düster und scharf dissonant
gesetzt sind. Marimba hat eine gewisse Lockerheit natürlich an sich,
das gleicht aus. Ich würde sagen, kompositorisch ist es klar eines
der stärkeren Stücke in der Liste.
Jan
W. Morthenson : Coloratura III
Ein recht kurzes Stück, das mir beim Durchhören nie wirklich
bewusst in Erinnerung geblieben ist, weil es recht anonyme Klänge
sind... aber jetzt, wo ich darauf achte, ist es eine sehr angenehme
Hörerfahrung. Ich habe mich sogar dabei ertappt, dazu einen Ton zu
summen. Die statische aber sich stetig wandelnde Wolke erinnert mich
auch unmittelbar an Avet Terterians Symphonien – und von denen
halte ich viel!
Hans
Zender : Canto II
Die Musiksprache ist meinem Gefühl nach nah an einigen Henze-Werken,
(den mittleren, experimentelleren, den Opern auch?). Sehr expressive
Chorklänge, die mich aber irgendwie wenig bewegen, und deren
Expressivität somit mich sogar stört, weil ich nicht das Gefühl
habe, dass viel dahinter steckt, bzw. dass sie eher ein Nachhall der
Zweiten Wiener Schule sind, als etwas für sich neues. Vielleicht
liegt es auch daran, dass ich so viel Henze gehört habe, dass ich
einem ähnlichen Stil ein bisschen überdrüssig bin. Im Umfeld
dieser Playlist kann es also nicht so wirklich punkten, obwohl es
eigentlich viel zu bieten hätte, es ist definitiv abwechslungsreich
und spannend – vielleicht sogar zu sehr. Wahrscheinlich es ein
Ausschnitt etwas größeren, dessen Kontext hier dann fehlt.
Errollyn
Wallen : Triple Concerto
Der größte Fremdkörper in dieser Liste. Kompositionstechnisch ist
dazu nicht viel zu sagen, es ist natürlich etwas völlig anderes –
harmonisch sehr einfach. Meine persönliche Abneigung gegenüber
Violinen lässt mich meinen, dass das Konzert ohne ein Violinsolo
ausgekommen wäre.
Nach einem kurzen expressiven Start beginnt es schnell jazzig zu
werden. Der zweite Satz begibt sich dann in eine andere Region, für
mich assoziiert mit dem Nahen Osten. Viele unisono vorgetragene
Linien über einem statischen Orgelpunkt. Im dritten Satz wird es
noch einmal jazzig wie im ersten, allerdings harmonisch sogar noch
einfacher, hier sind wir dann wirklich in der Popularmusik
angekommen, aber immerhin mit Schwung.
Es
ist für die Planung einer solchen Liste günstig, wenn es ein paar
stilistische Fremdkörper gibt; weniger zur Auflockerung, sondern
dazu, die anderen Stücke immer mal wieder in einem anderen Kontext
zu hören – wenn sie unmittelbar auf dieses folgen, ist das einfach
eine andere Hörerfahrung als sonst. Errollyn Wallen war bereits Teil
meines ersten solchen Listenhörprojekts vor zwei Jahren, deswegen
habe ich mich an den Namen erinnert, und sie wieder eingebaut. Einige
ihrer Stücke finde ich auch richtig gut, etwa Dervish
oder Peace on Earth –
das Triple Concerto? Not so much. Aber eben gut als Fremdkörper.
Georges
Aperghis : Quatre Pièces Fébriles
[...]
Klavier
und Marimba, definitiv eine gute Kombination; das erste Stück
besonders eingängig durch eine Phrase, die sehr oft wiederholt wird.
In einem der weiteren Sätze fiel mir eine Stelle auf, an der sehr
plakativ eine chromatische Tonleiter durchexerziert wird. Das kann
richtig cool funktionieren, wenn es noch sehr sehr sehr viel extremer
gemacht wird, hier wirkt es eher ... einfallslos, an dieser Stelle.
Das sind die Stücke aber sicher nicht. Ich mag vor allem die kleinen
Blöcke von Repetitionen, die mich sehr an etwas erinnern, was ein
Algorithmus ausgespuckt haben mag, ein Festhängen an wenigen Tönen,
aber mit viel rhythmischer Energie, die sich einfach mal entladen
muss.
Georg
Friedrich Haas : Release
Dieses Stück ist zu lang, um „spannend“ zu sein, aber gerade
lang genug, um den Ohren etwas bieten zu können; ich höre es gerne.
Harfentöne zu mikrotonal ausgefeilten Durklangflächen? Diese Art
Musik hätte mich früher sehr frustriert – und würde es
vielleicht immer noch, wenn ich sie im Zuge eines Seminars auf der
Uni hören müsste; dafür passiert zu wenig. Aber für meine
Präferenz des Eher-im-Hintergrund-Hörens passt es naturgemäß gut.
Es gibt eine seltsame Coda, in der noch einmal viel glissandiert wird
– da hab ich beim Hören öfter mal nachsehen müssen, ob das noch
zu Haas gehört oder ein anderes Stück ist.
Der
klare Bezug des Titels auf Sexualität (es wurde nach seinem
Coming-Out als Teil der BDSM-Community geschrieben) führt nicht zu
etwas, das ich hören könnte. Aber vermutlich war es für Haas eine
interessante Erfahrung, es mit diesem Konzept im Kopf zu schreiben.
Ich begrüße das – zu sagen, die Musikszene wäre prüde, wäre
aber übertrieben, immerhin kenne ich auch kaum Stücke, die andere
Grunderfahrungen wie Hunger, Durst oder Lachen in die Musik tragen
wollen. Jedenfalls als
Grunderfahrungen. Wobei die eben Genannten natürlich noch deutlich
grundlegender sind, als Sexualität. Und Stücke über Einsamkeit –
davon gibt's eher schon zu viele, oder?
Chaya
Czernowin : FardanceCLOSE
Das kürzeste Stück in der Liste. Erst in den höchsten Registern,
dann in der Tiefe grollend, das Klavier, das dann unerwartet in eine
neoromantische Tonfolge bricht – und dort dann stehenbleibt, in
einer sehr sehr langen Coda, in welcher der selbe Akkord (mit
Vorschlag) in immer größeren Abständen angeschlagen wird, bis zum
Schluss etwa zwanzig Mal. Dieses Stehenbleiben auf einem Akkord macht
beinahe die Hälfte der Stückdauer aus. Ein sehr eigenartiger Effekt
also. Es hinterlässt ein mulmiges Gefühl.
Malin
Bång : ripost
In den ersten Tagen des Hörens habe ich öfter mal nachgesehen, was
ich denn gerade höre:
„Das klingt gut, was ist es? Malin Bång.“
„Das klingt gut, was ist es? Malin Bång. Schon wieder?“
„Das klingt gut, was ist es? Malin Bång. Ach ja.“
Anfangs war dieses Stück somit ein klarer Favorit. Diesen Platz hat
es dann allerdings abgeben müssen. Die Klänge sind abgefahren, das
zeichnet dieses Stück aus. Geräuschhaft wie Lachenmann, aber
aggressiver. Da wird mit Eifer geschrubbt und gekratzt, und
irgendetwas jammert im Hintergrund. Glocken schlagen.
Wie gut dieses Stück funktioniert, hängt stark von der Lautstärke
ab, mit der ich es höre. Es braucht ein gewisses Volumen, damit das
Kratzen nicht einfach nur ein Hintergrundgeräusch ist, das
ausgeblendet wird.
Øyvind
Torvund : Neon Forest Space
Dieses
Stück hat wohl den einprägsamsten Anfang. Sehr energiegeladen –
im akustischen Sinne, also viel Geräusch – aber es lässt dann
sehr schnell nach, wie der Wald im Titel suggeriert, Vogelgesänge,
irgendwie auch in Dur. Irgendwelche Waldtiere machen Geräusche, aber
auf der harmonischen Ebene passiert nichts. Ich mochte dieses Stück
am Anfang sehr, weil es wirklich drollig ist. Mit der Zeit hat es
aber seinen Reiz verloren – ich habe es einige Mal übersprungen,
gerade weil die „alpinen“ Harmonien mir irgendwann auf die Nerven
gegangen sind. Fürs Oft-Hören also irgendwie nicht das Wahre, aber
wer ein Stück nur einmal hören will, der würde ich es sogar
empfehlen. Es ist ja drollig...
Evija
Skuķe : Garām
Ein reines Schlagzeugstück. Für einige Abschnitte habe ich das
Gefühl, da würde bloß der Klang der Instrumente ausprobiert, alles
einmal angeschlagen; hin und wieder klingt es dann aber so, als ob im
Hintergrund eine urtümliche Horde vorbeizieht, eine Weile
näherkommt, dann sich wieder entfernt. Steinzeit? Ich habe am Anfang
wenig mit dem Stück anfangen können, aber jetzt gerade mag ich es
gerne. Das wilde Finale funktioniert aus meiner Sicht nicht ganz so
gut, wie der Teil davor.
Laut Google heißt "garām" soviel wie "past", also vergangen? Könnte mit meiner Steinzeit-Assoziation ja passen.
Chiyoko
Szlavnics : (a)long lines
Beim ersten Mal Hören habe ich dieses Stück sofort gehasst.
Und wie es bei mir häufiger vorkommt, hat sich dieses Hassen mit der
Zeit in eine tiefe Faszination umgewandelt. Sehr sehr langsame Töne,
viele Glissandi, schneidend teilweise, manchmal aber auch wie
Sirenen; dazwischen immer wieder der Schlag einer tiefen Trommel, der
dem Ganzen den Eindruck eines Rituals verleiht. Alles geschieht
langsam, auch das düstere Vibrieren eines sehr tiefen Tones, von
Trommeln oder von Schwebetönen, rollt langsam heran, wie eine
Naturmacht. Von allen Stücken hat dieses aus meiner Sicht den
„außereuropäischsten“ Charakter, was vor allem an den
Trommelschlägen liegt, welche die in Zeitlupe betrachteten
Entwicklungen immer wieder abrupt unterbrechen.
Ich will auf jeden Fall noch mehr von Szlavnics hören, ich bin schon
gespannt.
Philip
Cashian : Chamber Concerto
Enorm
effektvolles Stück. Meine Meinung darüber hat sich mehrfach
geändert – anfangs fand ich es eines der stärksten Stücke, dann
mit der Zeit ist meine Meinung viel negativer geworden; es scheint
mir nämlich so, dass es harmonisch in gewissem Sinne zu
perfekt balanciert ist, es ist auf eine jazzige Art und Weise atonal,
das haben irgendwie mehrere britische Komponist*innen gemeinsam. Es
scheint mir also in der Hinsicht weniger spannend, auf einer
Meta-Ebene – verglichen mit anderen Werken dieser Liste. Aber für
sich betrachtet ist es ein sehr abwechslungsreiches, interessantes
Stück, das ordentlich fetzt.
Salvatore
Sciarrino : Introduzione All´Oscuro
Die Sorte von Stück, mit der ich mir schwer tu. Lange Zeit passiert
fast gar nichts, es gibt einzelne vorbeifliegende
Streichernachtfalter, aber das war's auch schon. Nacht halt. Gegen
Ende habe ich das Gefühl, dass noch ein wenig etwas beginnt,
anzuheben, ein Herzschlag? Ein seltsamer Nachhall einer romantischen
Hausmusik, in Dur?
Pötisch beschreiben lässt es sich offensichtlich, aber mögen tu
ich es deswegen nicht.
Luigi
Nono : ... sofferte onde serene ...
Ein Klavierstück, das kompositorisch gut ist, aber mir nicht
spezifisch in Erinnerung geblieben. Mein Eindruck davon wurde von
diversen anderen Stücken in der Liste überschrieben, bzw. hat sich
damit vermischt. Wenn ich bewusst darauf achte, stelle ich fest, dass
ich die Cluster in hohen und tiefen Lagen recht mag – was mir an
dem Stück vielleicht fehlt, ist eine Art übergeordnete Idee, damit
meine ich kein Konzept, auch nicht unbedingt eine Form, sondern eher
so eine Art Signal an mich als Hörerin, das mir sagt, worum es geht.
Ohne dieses ist es einfach eine sehr gute Komposition, die ein
angenehm düsteres Intermezzo zwischen den anderen Werken bietet.
Luciano
Berio : Epiphanie
Das könnte – wenn ich so über die Liste sehe – das älteste
Stück hier sein. 1961, wie es scheint. Es klingt für mich auch ganz
spezifisch nach dieser Zeit, wie ein Stück Radio, ein Kommentar über
das Abklingen des Serialismus der Fünfziger. Harmonisch definitiv
auf einer anderen Liga als viele Stücke in der Liste, durchwegs fein
balancierte Atonalität; es ist zu hören, dass sie durch die Ära
geprägt wurde. Wie aus dem Radio klingt auch die Stimme, die
erzählt, singt, aber auch hin und wieder jauchzt und kichert.
So richtig in Erinnerung geblieben ist mir dieses Stück aber nicht.
Fast jedesmal dachte ich mir „naja, ich müsste es halt noch öfter
hören.“ Aber wie oft? Es gefällt mir ja, aber es gefällt mir als
guter Repräsentant dieses Stiles, nicht als individuelles Stück.
Daran ändert auch die Stimme nichts, vermutlich, weil ich deren
Sprache nicht verstehe. Der Stil ist – das sollte ich vielleicht
noch dazusagen – kein Serialismus, sondern eine recht verspielte
Atonalität... kann ich es besser beschreiben? Eben überhaupt nicht
punktuell, sondern voller kleiner Motive, rhythmischer Ballungen,
opernhaftes Drama. Insofern klingt da vieles drin mit. Ein wenig ist
es mir dann doch zu gehetzt, als dass ich es noch viel öfter hören
wollen würde.
Michael
Obst : Fresko
Das Tonmaterial entfaltet sich zu Beginn langsam, systematisch;
normalerweise mag ich so etwas eher nicht, hier funktioniert es aber,
weil der Fokus auf einen Klang bleibt, der als ganzes zentral wirkt.
Girlanden nehmen im Stück allmählich eine größerwerdende
Bedeutung ein; das Klavier und die Harfe haben ihre jeweils eigenen
Abschnitte, in denen sie im Vordergrund stehen, die sich in der Farbe
so sehr vom Anfang unterscheiden, dass ich sie beim Hören als einem
anderen Stück zugehörig empfunden habe.
Dass mich jedes Obststück immer irgendwie auch an Stockhausen denken
lässt, liegt vermutlich daran, dass es Professor Obst war, der mir
Stockhausen überhaupt erst nahegebracht hat. Aber ich denke, es gibt
eine musikalische Verwandtschaft; die Harmonik ist auf eine sinnliche
Art und Weise statisch, darin haben die Töne aber genügend
Freiraum, um nicht zu ersticken. Überrascht mich nicht besonders,
dass ein Obst-Stück in dieser Liste auch wieder zu meinen Favoriten
gehört.
Isabel
Soveral : Quadramorphosis
Schlagzeug und Elektronik – da ist natürlich ein riesiges Arsenal
an Klängen verfügbar. Kurze Schnipsel erinnern mich (positiv) an
die Anfänge der elektroakustischen Musik; das Schlagwerk für sich
genommen hat aber irgendwie wenig zu sagen. Hängengeblieben sind bei
mir nur die Stellen mit den etwas simpleren (d.h. auch klobigeren
oder brutaleren) elektronischen Klängen.
Malin
Bång : splinters of ebullient rebellion
Viel Geräusch, wie in einer Fabrikshalle. Düstere Klänge, wie ein
Choral, der auf Stahltüren gespielt wird. Tippen. So viele Effekte,
und jedem Effekt wird – das ist die große Stärke dieser Musik –
viel Platz gegeben, sich zu entfalten.
Nicht
besonders gut finde ich hingegen, wenn statt den Geräuschen
plötzlich sanfte Töne klingen – denn die verwendete Harmonik ist
ziemlich schwach; weiße Tasten, Pentatonik, so etwas. Klar
funktioniert das als Kontrast zur Düsterkeit davor, allerdings wäre
das bestimmt auch anders gegangen, milde Klänge herzustellen – die
Harmonik empfinde ich hier einfach billig und langweilig, was enorm
schade ist, da der Teil davor so stark war. Auch der Chor kann das
nicht wirklich retten.
Wenn ich auf den Titel des Stückes gucke, vermute ich mal, dass hier
eine Art Unterdrücker-Unterdrückte-Gegensatz hergestellt wird. In
dem Fall haben die Unterdrücker dann aber die bessere Musik... die
maschinellen Klänge können sich gegen die simple
Weißetastenharmonik allerdings kaum zur Wehr setzen, die klingt
selbst dann im Kopf weiter, wenn die Maschinen wieder auffahren. Also
irgendwie bleibe ich unzufrieden zurück. Das hätte viel besser sein
können. Ich könnte sogar so dreist sein, mir nur den maschinellen
Anfang herauszuschneiden und separat zu hören.
João
Pedro Oliveira : In Tempore
Wieder tritt Klavier gegen Elektroakustik an. Harmonisch ist es recht
solide, statische Klangfelder werden immer wieder kurz erreicht und
wieder verlassen. Die elektronischen Klänge fügen sich einerseits
gut in das Ganze ein, sind aber oft genug auch eigenständig:
Kompositorisch kann ich nichts daran aussetzen, es ist gute Musik.
Die vielen Repititionstöne irritieren mich ein wenig; sie verstärken
die Assoziation mit Boulez, die sich mir ohnehin schnell aufdrängt
bei dieser Besetzung und dem Klangstil. Es ist also einer der Stücke,
die so gut gearbeitet sind, dass sie in der Menge untergehen, weil es
ihnen an eigenständigen Fehlern mangelt. Irgendwie schade. Gegen
Ende verstärken sich Reminiszenzen und Klangfelder werden
tendentiell länger gehalten, das funktioniert gut und erzeugt einen
absteigenden Spannungsbogen.
Bruno
Maderna : Giardino Religioso
Maderna ist einer der Komponisten, die irgendwie an mir
vorbeigegangen sind, und bei denen dieser Umstand bedauerlich ist.
Auf der Uni kann ich mich auch nicht erinnern, dass er mir je
untergekommen wäre. Die Musik ist auf der harmonischen Seite
qualitativ hochwertig.
Soviel Energie ist da!
Ich kann nicht sagen, warum während einem viele Minuten langen
Abschnitt mir ständig das Es als Grundton im Kopf herumgeistert, das
mag eine reine Einbildung sein, dass mein Mind beschließt, in
atonaler Musik einfach mal einen Ton festzulegen und dann sich nicht
mehr davon abbringen zu lassen. Ich höre dann jeden Ton, jeden
Klang, in Relation zu diesem Es. Vielleicht steckt es wirklich
irgendwo drin, aber das nachzuweisen...
Gegen Ende wird es wieder ruhiger, und ich genieße den Kontrast.
Mittlerweile bin ich vom Es aufs D heruntergestiegen in meinem
Höreindruck. Woher das kommt, würde mich echt interessieren. Naja,
auch atonale Musik ist immer nur bis zu einem gewissen Grade atonal,
es wird sich sozusagen asymptotisch angenähert, mit unterschiedlich
viel Nachdruck, und unterschiedlich viel Erfolg. Und selten ist es
überhaupt das Ziel, meist eher ein Mittel, um zu einer Harmonik zu
finden, in der es eine Balance gibt zwischen dominierendem Klang und
Rest, zwischen Statik und Dynamik...
Chaya
Czernowin : Sahaf
Am
Beginn des Stückes bin ich öfter mal erschrocken. Es ist ein recht
aufdringlicher Klang. E-Gitarre und Spaltklänge in
Holzblasinstrumenten... eine Ratsche knistert? Die Cluster sind rau,
wirken unbehauen. Das Stück hat stellenweise irgendwie das Flair
einer Bande Jugendlicher, die in einen Proberaum eingebrochen sind,
um möglichst viel Lärm zu machen – jedenfalls weckt die E-Gitarre
diese Assoziation. So recht schlau werde ich aus dem Stück nicht.
Ich höre es einfach nicht gerne, aber ich kann nicht wirklich sagen,
warum. Es besteht aus lauter interessanten Einzelelementen, aber die
Verbindung gelingt (mir) nicht, sie folgen aufeinander, wechseln sich
ab, und gehen mir teilweise klanglich eher auf die Nerven. (Special
Effects von Blasinstrumenten mag ich persönlich nicht.)
Salvatore
Sciarrino : Piano Sonata No. 2
Sehr hohe und sehr tiefe Töne kombiniert, das mag ich an sich recht
gerne. Lange unregelmäßige Pausen, um den Nachhall auszukosten,
eher weniger. Die Girlanden, die darauf folgen, sind ... irgendwie
hübsch, haben einen impressionistischen Charme. Ich höre nach einer
Weile die Regelmäßigkeit der Skalen dahinter und es verliert dann
für mich seinen Reiz. Musikalisch ist diese Sonate nicht weit von
der Klaviermusik eines Henri Dutilleux entfernt, dessen Spätwerk ich
aber eben wegen der notorischen Vorhersehbarkeit, die sich aus den
Skalen ergibt, nicht besonders mag – es hat einen gewissen Zauber,
der aber eher einlullt als aufmerksam und neugierig macht.
Bruno
Maderna : Quadrivium
Das
zweite Maderna-Stück in dieser Liste beginnt erst einmal mit purem
Schlagzeug – dadurch habe ich es manchmal mit Garām
verwechselt – der Rest des Orchesters setzt dann allmählich ein,
immer wieder ein Tröpfeln – in diesem Abschnitt dominiert mir das
Schlagzeug dann noch lange zu sehr. Erst gegen Ende hat sich die
Struktur gewandelt zu einem volleren Klang. Im Gegensatz zum anderen
Stück – Giardino Religioso – finde ich, dass es diesem Stück
ein bisschen an rauer Energie fehlt. Plätschern, Tröpfeln, das sind
alles Beschreibungen, die ein wenig absurd anmuten, wenn sie sich auf
Blechbläser beziehen.
Wieder höre ich über lange Strecken einen Grundton, eine zeitlang
ein Es, dann aber ein Des. Dieses scheint mir keine Einbildung zu
sein. Insgesamt ist mir das Stück ein wenig zu lange, vermutlich
weil das viele Schlagzeug die Ohren ermüdet, sodass der Rest nicht
mehr so gut aufgenommen werden kann.
~ ẞ ~
Das war's. Da ich momentan einen Internetausfall habe, werde ich das jetzt erst einmal posten, und später vielleicht noch meine Favoriten herauspicken. In der Zwischenzeit überlege ich mir meinen Plan für das nächste Hörmonat - das wohl irgendwie zwischen Februar und März angesiedelt sein wird.
~ Jundurg Delphimė
